ANOUILH

ANOUILH

Jean Anouilh este né en 1910, dans une famille de modeste petite-bourgeoisie. Il travaille comme secrétaire de Louis Jouvet et entre de bonne heure en contact avec le monde du théâtre (il allait connaître également Georges Pitoëff).

En 1932 a lieu la première représentation à Vne de ses pièces, L'Hermine. Son succès le décide à se cossacrer au théâtre et à vivre de ce métier. Il réussit à tenir sa gageure : tout le long de sa carrière ses pièces ont occupé une place de choix sur les scènes françaises et étrangères.

Il est-mort en 1967.

PRINCIPALES OEUVRES : Le Voyageur sans bagage, 1937 ; La Sauvage, 1938 ; Le Rendez-vous de Senlis, 1941 ; Antigone 1943 ; Ardèle ou la marguerite, 1948 ; Colombe, 1951 ; L'Alouette, 1953 ; Pauvre Bitos ou le dîner de têtes, 1956 ; Becket ou l'honneur de Dieu, 1958 ; L'Hurluberlu, 19S9 ; Le Boulanger, l_a boulangère. et le petit mitron, 1968 ; Cher Antoine ou l'Amour raté, 1969 ; Monsieur Barnett, 1975.

Le premier contact avec le théâtre de JL Giraudoux (lorsqu'il assista à la représentation de Siegfried, ayant comme protagoniste L. Jouvet) fut révélateur pour la vocation du jeune Anouilh.

Au fait, une profonde affinité de conception et de sensi­bilité liait les deux écrivains : Anouilh allait continuer la quête de la pureté entreprise par Giraudoux. Plus pessimiste, plus radical dans ses exigences, plus allergique à tout com­promis avec la médiocrité, Anouilh situera souvent cette quête au niveau d'une âpre critique de la société de son temps.

Il avait lui-même qualifié ses pièces comme roses, noires, brillantes ou grinçantes selon le registre dans lequel s'inscri­vait sa protestation contre les diverses formes d'avilissement portant atteinte à la dignité et à la pureté humaines.

Pièce „rose« par son dénouement, Le Voyageur sans bagage exprime le drame d'un amnésique qui, après dix-sept ans d'oubli (durée qui équivaut à l'âge de l'adolescence et pendant laquelle il fait l'apprentissage de la pureté) redé­couvre la famille bourgeoise qui avait été la sienne, son univers mesquin et avilissant, et se découvre lui-même, tel qu'il avait été, médiocre et corrompu. Desespéré, il refuse de se réintégrer dans cet univers et, par chance, réussit à se forger une nouvelle identité.

Une autre hypostase de l'adolescence qui, au nom de la pureté, se refuse à l'intégration dans la vie sociale est envisagée dans La Sauvage et surtout, d'une façon radicale, dans la version donnée par Anouilh au destin tragique d'An-tigone.

Dans cette version, Antigone refuse la planche de salut offerte par Créon parce qu'elle préfère mourir à l'âge de la pureté plutôt que de vivre dans la médiocrité et accepter les compromis auxquels l'existence sociale allait fatalment la contraindre.

La no.re solitude de sa mort, malgré la présence du garde qui l'accompagne, explique et justifie mieux cette décision : assoiffée de tendresse et de compréhension, elle essaye de découvrir chez le garde un peu de chaleur humaine. Mais, avec une cruauté involontaire, insensible au fait que la jeune fille allait mourir, il l'entretient sur ses préoccupations mes­quines, liées à son métier, à sa possible promotion. La tona­lité de désespoir de cette fin tragique trahit le pessimisme dominant d'Anouilh.

Cependant, malgré son destin tragique,la figure héroïque de ^Jeanne d'Arc, évoquée dans L'Alouette, constitue, au contraire, une source tonifiante d'espoir.

Les victoires de l'héroïne, soutenue par l'enthousiasme des troupes, représentent autant de victoires de la pureté face à la bassesse des intrigues politiques et à la mesquinerie des intérêts qui décident des événements historiques.

Une autre victoire, moins éclatante, mais toujours tonifi­ante, est celle du primat de l'Angleterre, Thomas Becket,

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face au roi Henri II (Becket). Lié d'une étroite amitié avec le roi, son compagnon d'aventures pendant leur folle jeunesse, Becket possédait un capital de grandeur morale, de généro­sité et de pureté dont il ne savait pas trop quoi faire. Le roi eut l'idée malheureuse de le nommer primat de l'Angleterre. Prenant au sérieux cette charge religieuse, Becket utilise tout son potentiel de force morale et d'éner­gie pour lutter contre les abus du roi au nom de la piété que lui ordonnait sa nouvelle fonction. Il mène cette lutte sans fléchir jusqu'au sacrifice surpême et, tout en donnant la mesure de sa beauté morale, réussit à défendre d'une façon, en fin de compte, victorieuse, l'aspiration humaine à l'intérgité et à la dignité.

Malgré la générosité de son message, la dramaturgie d'Anouilh présente un cas assez surprenant de survivance. presque anachronique, d'une conception traditionnelle sui le théâtre pendant une longue période d'épanouissement victorieux des formes nouvelles : si jusqu'à la moitié du siècle la dramaturgie d'Anouilh, représentative pour le théâ­tre poétique qui avait dominé la scène de rentre-deux-guerres» y avait occupé, d'une façon bien explicable, une place de choix, le fait qu'il a continué à écrire et à faire jouer son théâtre poétique pendant plus d'un quart de siècle après les années '50 (qui avaient cependant assisté à l'affirma-? tion spectaculaire et au succès retentissant d'une drama­turgie nouvelle et avaient marqué une baisse très considé­rable de l'intérêt face à la dramaturgie de Cocteau et de Giraudoux) peut sembler asez surprenant.

Dénigré par certains partisans du Nouveau Théâtre comme étant un simple fabricateur de pièces de boulevard, porté aux nues par les défenseurs nostalgiques d'un passé révolu, Anouilh reste probablement, grâce à sa probité et à sa modestie_v le meilleur juge de son oeuvre.

Il a salué avec enthousiasme la dramaturgie de Beckett

et de Ionesco et a reconnu ouvertement leur supériorité ; il a contribué à la promotion d'autres ^nouveaux dramaturges" ; il a aidé à sortir de l'oubli la pièce surréaliste Victor de son ami R. Vitrac (laquelle, quoique écrite plus d'un quart de siècle auparavant, correspondait mieux au nouvel horizon d'attente que les siennes).

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Ceci ne Ta cependant pas empêché de soumettre, dans U Hurluberlu, à une critique implacable (mais non rancunière) les avatars de la nouvelle dramaturgie. Cette contradiction n'est qu'apparente : tout en constatant l'impasse vers laquelle se dirigeait la quête du Nouveau Théâtre, il était cependant conscient du fait que le grand chemin de la dramaturgie avait dû passer par là et que son propre théâtre s'en situait un peu à l'écart.

Le fait que ceux qui défendaient son théâtre étaient souvent des spectateurs burgeois du théâtre de boulevard ne l'a pas empêché de s'attaquer aux moeurs de la bourgeoisie avec une virulence de plus en plus mordante, féroce même.

Si d'autre part, ses idées politiques sont traditionalistes, ces apparentes contradictions disparaissent lorsqu'on prend en considération le caractère unitaire de son oeuvre.

Son refuge dans la tradition s'explique par son opinion que la société de consommation instaurée après la Deuxième Guerre mondiale aliène et déshumanise, c'est-à-dire avilit l'intégrité et la pureté qu'il s'était proposé de défendre.

Si son théâtre a bien résisté à la concurrence de la dra­maturgie nouvelle ce fut, en une certaine mesure, grâce à sa profonde connaissance du métier et à son ouverture face aux solutions scéniques nouvelles.

Il utilise avec maîtrise, dans L'Alouette, la technique brechtienne de la ^distanciation" ; il réussit à réaliser des moments de „participation", selon les exigences d'un théâ­tre-événement (perspective Artaud) ; il réalise, dans La Valse des torréadors et dans Le Boulanger, la boulangère et le petit mitron, un déclenchement de haine absurde et dérisoire qui rappelle certaines farces tragiques de facture surréaliste ou certaines pièces de Ionesco.

D'autre part, le caractère généreux du message d'Anouilh (lié au thème éternel de la pureté et actualisé par la critique des réalités contemporaines) peut justifier, lui-aussi, la sur­vivance de son théâtre.

Mais c'est surtout grâce aux accents de sincérité et à la chaleur humaine qui se dégagent de sa façon de traiter cette thématique (laquelle, somme toute, aurait exigé une mise enéquation différente pour mieux répondre aux interrogations actuelles sur l'homme, et sur la pérennité de ses valeurs), que le nom de l'auteur de L'Alouette restera lié à un moment de qualité de l'histoire du théâtre français contemporain.

VICTOR HUGO

Victor-Marie Hugo, né le 26 février 1802 à Besançon et mort le 22 mai 1885 à Paris, est un écrivain, dramaturge, poète, homme politique, académicien et intellectuel engagé français considéré comme le plus important des écrivains romantiques de langue française et un des plus importants écrivains de la littérature française.
Son œuvre est très diverse : romans, poésie lyrique, drames en vers et en prose, discours politiques à la Chambre des Pairs, correspondance abondante.
Victor Hugo a fortement contribué au renouvellement de la poésie et du théâtre en tant que chef de file du mouvement romantique. Il a aussi permis à de nombreuses génération de développer une réflexion sur l'engagement de l'écrivain dans la vie politique grâce à ses multiples engagements qui le condamneront à l'exil.
L'ensemble de ce qui a survécu des écrits de Victor Hugo (plusieurs lettres personnelles ont été volontairement détruites par ses exécuteurs testamentaires Paul Meurice et Auguste Vacquerie) a été publié chez Jean-Jacques Pauvert et représente presque quarante millions de caractères.
« L'ensemble de mon œuvre fera un jour un tout indivisible. [...]Un livre multiple résumant un siècle, voilà ce que je laisserai derrière moi [...] » — Lettre du 9 décembre 1859
À travers ces mots, on devine une volonté farouche de pratiquer tous les genres : roman, poésie, théâtre, essai, etc. — autant qu'une passion du Verbe, à condition toutefois que ce dernier soit ancré dans l'Histoire. Par conséquent, distinguer la fiction proprement dite de l'engagement politique est, chez Hugo plus que chez tout autre écrivain, une gageure.
Le romancier
Hugo a laissé neuf romans. Le premier, Bug-Jargal a été écrit à seize ans ; le dernier, Quatrevingt-treize, à soixante-douze. L'œuvre romanesque a traversé tous les âges de l'écrivain, toutes les modes et tous les courants littéraires de son temps sans jamais se confondre totalement avec aucun. En effet, on trouve toujours chez Hugo une volonté de parodie et de décalage : Han d'Islande en 1823, Bug-Jargal publié en 1826, Notre-Dame de Paris en 1831 ressemblent aux romans historiques en vogue au début du XIXe siècle mais n'en sont pas vraiment ; c'est que Hugo n'est certainement pas Walter Scott ; chez lui en effet, les temps modernes pointent toujours derrière l'Histoire.
Le Dernier Jour d'un condamné en 1829 et Claude Gueux en 1834 ne sont pas plus aisés à définir. Ce sont des romans à la fois historiques et sociaux qui sont, surtout, engagés dans un combat — l'abolition de la peine de mort — qui dépasse de loin le cadre de la fiction. On pourrait en dire autant des Misérables qui paraît en 1862, en pleine période réaliste, mais qui lui emprunte peu de caractéristiques. Ce succès populaire phénoménal embarrassera d'ailleurs la critique car il louvoie constamment entre mélodrame populaire, tableau réaliste et essai didactique
De la même façon, dans Les Travailleurs de la mer (1866) et dans L'Homme qui rit (1869), Hugo se rapproche davantage de l'esthétique romantique du début du siècle, avec ses personnages difformes, ses monstres et sa Nature effrayante.
Enfin, en 1874, Quatrevingt-treize signe la concrétisation romanesque d'un vieux thème hugolien : le rôle fondateur de la Révolution française dans la conscience littéraire, politique, sociale et morale du XIXe siècle.
Le roman hugolien n'est pas un « divertissement » : il est presque toujours au service du débat d'idées. On l'a vu avec les romans abolitionnistes de sa jeunesse, on le voit encore dans sa maturité à travers de nombreuses et parfois envahissantes digressions sur la misère matérielle et morale dans Les Misérables. Toutefois, dans ce dernier roman commencé en 1845 et 1848, on a détecté l'influence de Balzac[12], notamment celle du Curé de village avec lequel Monseigneur Myriel a des points communs. Et la parenté entre Vautrin et Jean Valjean (le second étant l'envers positif de l'autre) est assez évidente, le monde et les coutumes des bagnards étant décrit dans Splendeurs et misères des courtisanes[13]. Ses héros sont, comme les héros de tragédie (le dramaturge n'est pas loin), aux prises avec les contraintes extérieures et une implacable fatalité tantôt imputable à la société (Jean Valjean ; Claude Gueux ; le héros du Dernier jour d'un condamné), tantôt à l'Histoire (Quatrevingt-treize) ou bien à leur naissance (Quasimodo). C'est que le goût de l'épopée, des hommes aux prises avec les forces de la Nature, de la Société, de la fatalité, n'a jamais quitté Hugo ; l'écrivain a toujours trouvé son public sans jamais céder aux caprices de la mode : qui s'étonnera qu'il ait pu devenir un classique de son vivant?
Le poète
À vingt ans, Hugo publie les Odes, recueil qui laisse déjà entrevoir, chez le jeune écrivain, les thèmes hugoliens récurrents : le monde contemporain, l'Histoire, la religion et le rôle du poète, notamment. Par la suite, il se fait de moins en moins classique, de plus en plus romantique, et Hugo séduit le jeune lecteur de son temps au fil des éditions successives des Odes (quatre éditions entre 1822 et 1828).
En 1828, Hugo réunit sous le titre Odes et Ballades toute sa production poétique antérieure. Fresques historiques, évocation de l'enfance ; la forme est encore convenue, sans doute, mais le jeune romantique prend déjà des libertés avec le mètre et la tradition poétique. Cet ensemble permet en outre de percevoir les prémices d'une évolution qui durera toute sa vie : le catholique fervent s'y montre peu à peu plus tolérant, son monarchisme qui se fait moins rigide et accorde une place importante à la toute récente épopée napoléonienne ; de plus, loin d'esquiver son double héritage paternel (napoléonien) et maternel (royaliste), le poète s'y confronte, et s'applique à mettre en scène les contraires (la fameuse antithèse hugolienne !) pour mieux les dépasser :
« Les siècles, tour à tour, ces gigantesques frères,
Différents par leur sort, semblables en leurs vœux,
Trouvent un but pareil par des routes contraires. »
Puis Hugo s'éloigne dans son œuvre des préoccupations politiques immédiates auxquelles il préfère — un temps — l'art pour l'art. Il se lance dans les Les Orientales (l'Orient est un thème en vogue) en 1829, (l'année du Dernier jour d'un condamné).
Le succès est important, sa renommée de poète romantique assurée et surtout, son style s'affirme nettement tandis qu'il met en scène la guerre d'indépendance de la Grèce (l'exemplarité de ces peuples qui se débarrassent de leurs rois n'est pas innocente du contexte politique français) qui inspira également Lord Byron ou Delacroix.
Dès Les Feuilles d'automne (1832), Les Chants du crépuscule (1835) Les Voix intérieures (1837), jusqu'au recueil Les Rayons et les ombres (1840), se dessinent les thèmes majeurs d'une poésie encore lyrique — le poète est une « âme aux mille voix » qui s'adresse à la femme, à Dieu, aux amis, à la Nature et enfin (avec Les Chants du crépuscule) aux puissants qui sont comptables des injustices de ce monde.
Ces poésies touchent le public parce qu'elles abordent avec une apparente simplicité des thèmes familiers ; pourtant, Hugo ne peut résister à son goût pour l'épique et le grand si bien que, dès le premier vers des Feuilles d'automne, on peut lire le fameux :
« Ce siècle avait deux ans ! Rome remplaçait Sparte
Déjà Napoléon perçait sous Bonaparte »
On le voit, Hugo s'applique d'emblée à ancrer le poète dans l'Histoire. Il ne l'en fera jamais sortir, tout au long de son œuvre.
À partir de l'exil commence une période de création littéraire qui se caractérise par sa richesse, son originalité et par sa puissance. C'est alors que naîtront certains des plus fameux poèmes de la langue française (l'Expiation dans les Châtiments, Booz endormi dans la Légende des siècles, pour ne citer que ces deux exemples).
Les Châtiments sont des vers de combat qui ont pour mission, en 1853, de rendre public le « crime » du « misérable » Napoléon III : le coup d'État du 2 décembre.
Quelques années plus tard, Hugo déclare, à propos des Contemplations qui paraissent en 1856 : « Qu'est-ce que les Contemplations ? — Les mémoires d'une âme »[] Apothéose lyrique, marquée par l'exil à Guernesey et la mort (cf. Pauca Meae) de la fille adorée : exil affectif, exil politique : Hugo part à la découverte solitaire du moi et de l'univers.
Enfin, la Légende des siècles, son chef-d'œuvre, synthétise rien moins que l'histoire du monde en une immense épopée parue en 1859 ; « L'homme montant des ténèbres à l'Idéal »[16], c'est-à-dire la lente et douloureuse ascension de humanité vers le Progrès et la Lumière.
En juin 1878, Hugo fut victime d'une congestion cérébrale qui mit pratiquement fin à son activité d'écriture. Toutefois de très nombreux recueils, réunissant en fait des poèmes datant de ses années d'inspiration exceptionnelle (1850-1870) continuaient de paraître régulièrement (La Pitié suprême en 1879, L'Âne, Les Quatre Vents de l'esprit en 1881, la dernière série de la Légende des siècles en 1883...), contribuant à la légende du vieil homme intarissable jusqu'à la mort.
Tantôt lyrique, tantôt épique ; combattant infatigable et père vaincu ; tour à tour classique et audacieux, Hugo est tout cela à la fois et davantage : celui qui a profondément ému ses contemporains (qui ne connaît le très célèbre « Demain, dès l'aube... » ?), exaspéré les puissants et inspiré les plus grands poètes de son temps et des temps à venir.

VICTOR HUGO

Le romancier 

Un romancier inclassable 
Hugo a laissé neuf romans. Le premier, Bug-Jargal a été écrit à seize ans ; le dernier, Quatrevingt-treize, à soixante-douze. L’œuvre romanesque a traversé tous les âges de l’écrivain, toutes les modes et tous les courants littéraires de son temps sans jamais se confondre totalement avec aucun. En effet, on trouve toujours chez Hugo une volonté de parodie et de décalage : Han d'Islande en 1823, Bug-Jargal publié en 1826, Notre-Dame de Paris en 1831 ressemblent aux romans historiques en vogue au début du XIXe siècle mais n’en sont pas vraiment ; c'est que Hugo n’est certainement pas Walter Scott ; chez lui en effet, les temps modernes pointent toujours derrière l’Histoire.
Le Dernier Jour d'un condamné en 1829 et Claude Gueux en 1834 ne sont pas plus aisés à définir. Ce sont des romans à la fois historiques et sociaux qui sont, surtout, engagés dans un combat — l’abolition de la peine de mort — qui dépasse de loin le cadre de la fiction. On pourrait en dire autant des Misérables qui paraît en 1862, en pleine période réaliste, mais qui lui emprunte peu de caractéristiques. Ce succès populaire phénoménal embarrassera d'ailleurs la critique car il louvoie constamment entre mélodrame populaire, tableau réaliste et essai didactique…
De la même façon, dans Les Travailleurs de la mer (1866) et dans L'Homme qui rit (1869), Hugo se rapproche davantage de l’esthétique romantique du début du siècle, avec ses personnages difformes, ses monstres et sa Nature effrayante.

Enfin, en 1874, Quatrevingt-treize signe la concrétisation romanesque d’un vieux thème hugolien : le rôle fondateur de la Révolution française dans la conscience littéraire, politique, sociale et morale du dix-neuvième siècle.

Une œuvre de combat 
Le roman hugolien n’est pas un « divertissement » : il est — presque toujours — au service du débat d’idées. On l’a vu avec les romans abolitionnistes de sa jeunesse, on le voit encore dans sa maturité, à travers de nombreuses, et parfois envahissantes, digressions sur la misère matérielle et morale, dans Les Misérables. Ses héros sont, comme les héros de tragédie (le dramaturge n’est pas loin), aux prises avec les contraintes extérieures et une implacable fatalité tantôt imputable à la société (Jean Valjean ; Claude Gueux ; le héros du Dernier jour d’un condamné), tantôt à l’Histoire (Quatrevingt-treize) ou bien à leur naissance (Quasimodo). C’est que le goût de l’épopée, des hommes aux prises avec les forces de la Nature, de la Société, de la fatalité, n’a jamais quitté Hugo ; l’écrivain a toujours trouvé son public sans jamais céder aux caprices de la mode : qui s’étonnera qu’il ait pu devenir un classique de son vivant ?


Le dramaturge

À vingt-six ans, dans la célèbre préface de Cromwell, Victor Hugo jette les bases d’un genre nouveau : le drame romantique. Dans ce texte, le jeune homme ambitieux remet en cause les règles bien établies du théâtre classique, et introduit les thèmes romantiques sur la scène : multiplication des personnages, des lieux, mélange des registres — le vulgaire et le recherché, le sublime et le grotesque – et met ainsi davantage de vie dans un théâtre trop compassé. Revers de la médaille : Cromwell, pièce aux 6000 vers et aux innombrables personnages n’est pas jouée — « injouable » disent certains…
C’est grâce à Hernani que le dramaturge accède véritablement, en 1830, à la célébrité et prend une place déterminante parmi les modernes. Les années suivantes, Hugo se heurtera aux difficultés matérielles (scène à l’italienne, peu propice aux spectacles d’envergure) et humaines (réticences des Comédiens Français devant les audaces de ses drames). Il alternera triomphes (Lucèce Borgia) et échecs (Le Roi s’amuse), avant de décider, avec Alexandre Dumas, de créer une salle dédiée au drame romantique : ce sera le Théâtre de la Renaissance où il fera donner, en 1838, Ruy Blas.
En 1843, l’échec des Burgraves l’affecte durement. Hugo désespère de parvenir à un théâtre à la fois exigeant et populaire. Le dramaturge, frappé en outre par le deuil (Léopoldine meurt cette même année), délaisse la scène.
Victor Hugo marquera son retour au théâtre avec l'écriture, à partir de 1866, de plusieurs pièces, dont la série du Théâtre en liberté.

Le poete 

‘’Les feuilles d’automne’’ (1831) -Recueil de poèmes

Le poète manifestant son ambition d’atteindre à une poésie de la totalité, y obéissait à une triple inspiration : 
- confidences personnelles (le poète, étant devenu «mélancolique et résigné» à la suite de la trahison de sa femme et de son ami, jette un regard sur son passé : “Ce siècle avait deux ans” ; se console au spectacle de l’enfance : “Lorsque l’enfant paraît” ; écoute les voix mêlées de la Nature et de l’Humanité : “Ce qu’on entend dans la montagne”, illustrant sa conception du poète , «âme de cristal... que... Dieu... mit au centre de tout comme un écho sonore”) ;
- questions politiques (il ajoute à sa «lyre une corde d’airain« pour fustiger toutes les formes d’oppression : “Poème XL”) ;
- problèmes religieux ou philosophiques (s’émouvant des «mille objets de la création qui souffrent», il célèbre la charité dans “Pour les pauvres”).

Analyse

L’épigraphe est empruntée aux “Contes de la veillée” de Charles Nodier. L’aveugle Gervais contait les souvenirs d’un lointain amour : «Eulalie seule me servait de guide, enchantant mon oreille des impressions qu’elle recueillait à l’aspect de tous ces merveilleux tableaux que la vue découvre à la pensée.»
Les cinq premiers de ses six poèmes sont des paysages éclatants de couleur et de virtuosité, à la manière des “Orientales”. 

I

Dans le premier poème, l’inspiration de Victor Hugo est similaire à celle de Bernardin de Saint-Pierre dans “Les études de la nature” ou à celle de Chateaubriand dans ces pages fameuses du “Génie du christianisme” que sont “Coucher de soleil en mer” et “Une nuit dans les forêts d’Amérique”. 
Le vers 1 rappelle ces vers de Vigny dans “Le cor” (écrit à Pau en 1825) : 
  «J’aime le son du cor, le soir, au fond des bois,
  Soit qu’il chante les pleurs de la biche aux abois...»
Dans la suite, Victor Hugo se révèle un peintre et un coloriste, accumulant les sensations visuelles qu’il exprime sous forme de comparaisons et de métaphores. Pär une sorete d’anthropomorphisme spontané, il prête à tous les êtres et à toutes les choses une vie puissante et surhumaine.
Au vers 5, «brisent» est un mot emprunté au langage maritime. Les «rayons» sont comparés à des flots. La comparaison est poursuivie dans la deuxième et dans la septième strophes. Dans ces «flots» de nuages surgit «un pâle éclair» dont l’imagination fantastique de Hugo fait «un géant de l’air» qui rappelle, dans “Les ballades”, la ballade V, “Le géant”.
À la troisième strophe, l’idée des «larges dômes d’or» a pu être inspirée au poète par le dôme des Invalides à Paris. L’image de «la chaumière» est évoquée par antithèse en même temps que pour l’analogie de son toit de paille jaune doré par le soleil couchant. Les vers 17 et 18 rappellent Chateaubriand dans “Le génie du christianisme” : «Dans une savane, de l’autre côté de la rivière, la clarté de la lune dormait sans mouvement sur les gazons : des bouleaux agités par les brises et dispersés çà et là formaient des îles d’ombres flottantes sur cette mer immobile de lumière».
Aux quatrième et cinquième strophes, le poète déroule des images qui rendent les formes prises par les nuages : «un crocodile» puis «un palais».
À la cinquième strophe apparaît la figure de Dieu, ordonnateur de tous ces phénomènes.
À la sixième strophe, «Tout s’en va» indique que l’orage passager se dissipe.
À la septième strophe, le poète, qui est profondément chrétien, affirme la nécessaire soumission à «un mystère» qui est celui de la volonté divine.
Ainsi le poème se termine sur un appel à la méditation.

Gide - presentation generale

Andre Gide est l'ecrivain sur lequel on n'a cesee de parler avec les jugements les plus contradictoires. Durant sa vie, il semblait vouloir deconcerter a tout prix puisque chaque livre paraissait contredire le precedent.
Il a eu le courage de poser des problemes refusant tous les tabous esthique d'une societe hypocrite, incitant ainsi la jeunesse a penser par elle-meme, sans pour cela vouloir se faire des proselytes. C'est dans la tradition de "l'examen de soi", que Gide pousse jusqu'a "l'indicible" et developpe en fin de compte toute une litterature de lucidite sur l'Homme. Il a eu meme le courage revolutionnaire parmi ses contemporaines en litterature de sortir de sa tour d'ivoire et d'aller jusqu'a l'engagement en matiere d'esthetique.
Il a ouvert la voie en France a un nouveau roman par rapport au roman balzacien ou stendhalien, roman de l'autorepresentation, roman qui reflechit sur sa propre condition, ce que l'on va nommer " le roman du roman " ou le metaroman.

Sa celebre theorie de la "mise en abyme" a porte fruit surtout dans les annees soixante, lorsque le Nouveau Roman a particulierement le souci de se doter d'une structure bi- ou multigenerique.
Ce seul "mise en abyme" est revelateur pour l'appartenance de Gide a l'esthetique baroque , dans son sens categoriel et dans une acception moderne et affirmative. Mais en fait tous les aspects contradictoires de sa personnalite et de son oeuvre, sa valeur reelle peuvent etre lus et mieux compris a la lumiere de l'esthetique baroque dont les traits fondamentaux peuvent etre consideres: l'instabilite de structure, qu'elle soit interieure ou formelle, et le dualisme, universel ou psychologique. Ces caracteres baroques sont le reflet de fortes contradictions sociales et politiques, entrainant un desequilibre spirituel, menant a la revolte, a l'inconformisme, particulierement en esthetique, mais menant par ailleurs a cette recherche febrile de la verite.

Vue par l'histoire litteraire, la production litteraire d'Andre Gide connaitrait les etapes suivantes:
1891-1897: Gide symboliste
1897-1909 : Premiere maturite de l'ecrivain depuis Les Nourritures terrestres jusqu'a La Porte etroite
1909-1919 : une periode confuse et contradictoire d'ou il sort renouvele, avec la Nouvelle Revue Francaise et Les Caves du Vatican, suivie de la crise morale de la guerre, avec La Symphonie pastorale
1919-1927 : l'apres-guerre, il connait une jeunesse nouvelle, il donne Les Faux-Monnayeurs, Corydon. Il s'interesse aux problemes politiques et sociaux, ecrit le Voyage au Congo.

Les Faux-Monnayeurs
sont encore plus un roman "d'idees" par la quantite de questions qu'on y pose. Gide veut que son roman soit une "somme" de lui-meme. Chaque protagoniste porte en lui cette synthese de psychologie gidienne et de problemes sociaux ou intellectuels, de problemes relogieux ou moraux, de problemes actuels tel que le freudisme ou bien de theories concernant la flore et la faune.
Les Faux-Monnayeurs, donner un livre qui ne ressemble a rien de ce qu'il a ecrit, a rien non plus de ce qui a ete fait avant lui dans le genre romanesque. La multiplication des personnages, l'enchevetrement de divers intrigues, le jeu parodique avec des sous-genres romanesques (le roman policier, le roman d'amour, le roman de formation) signalent la nouveaute du livre.
Les Faux-Monnayeurs resteront son "seul et dernier roman".

Le titre joue ironiquement avec une attente possible du lecteur: il semble lui promettre une intrigue policiere qui tarde a venir.
Les Faux-Monnayeurs, c'est le titre du roman de l'auteur Andre Gide, qui figure sur la couverture du livre et dans ce roman que le lecteur est en train de lire, titre d'un roman projete par un personnage de romancier, Edouard. Premier exemple de mise en abyme.
Edouard semble voir dans la fausse monnaie une metaphore des fausses valeurs litteraires, religieuses et morales tout en constatant que son roman est dans une impasse - il est a Saas-Fee! Mais Gide a bien ecrit son roman et la notion de fausse monnaie apparait ici - en abyme - au carrefour de deux lignes de force du livre: la denonciation des faux-monnayeurs de l'esprit et la difficulte du romancier Edouard a donner une existance romanesque a cette denonciation.

Structure

Le roman est compose de 43 chapitres, relativement courts, distribues en trois parties.
Cette composition contribue a aerer le roman, elle offre une "respiration" au lecteur. Coincidant, souvent avec un changement du point de vue narratif, elle donne son rythme a la lecture.

ANDRE GIDE ou les contradictions interieures

1869 - 1951


Un contemporain en eveil

Pendante un demi-siecle, Andre Gide est au centre de la vie intellectuelle contemporaine.
Fondateur de la Nouvelle Revue Francaise il s'y consacre avec ardeur a la diffusion litteraire et a la recherche de nouveaux talents. Il correspond avec tous les ecrivains, francais ou etrangers,qui, comme lui, marquent leur temps de leur pensee. Il contribue a faire connaitre en France Dostoievski, Kafka ou les romanciers americains.
Dans les annees qui precedent la guerre, en depit de son individualisme inne qui le rend peu apte au militantisme, il est tente par l'engagement politique, mais en eprouve une grande deception. Sa pansee est detournee de son cours naturel par les evenements, mais c'est a la recherche de lui-meme qu'il s'obstine d'un bout a l'autre de sa vie et de son oeuvre.